Reina por: Nahuel Amaya

Descubrir nuevos artistas es siempre gratificante. Sobretodo si acampan en tu patio de atrás. Porque el chino que la descoce tiene la mala espina de vivir al otro lado del mundo, y no saber una palabra de español. Pero ¿encontrarse un nuevo talento, por San Telmo, fanático del metal y un tipazo extraordinario? No hay que pedirle mucho más a la buenafortuna.

Ilustrador tanto de pesadillas febriles como de fantasía infantiles, humorista preciso, freelance de espíritu, un laburante del tablero, como se dice. Nahuel está haciendo sus primeros pasos en el colectivo de Agua Negra Ediciones, además de dedicarse a la docente en la Escuela de Dibujo Sótano Blanco.

Esperamos encontrarnos con él más seguido. Nos lo merecemos.

Entrevista: Rnz Podestá

En Enero del año que viene, nos juntamos con este querido compañero para preguntarle un poco, y otro poco también, sobre su obra, las cosas que anda haciendo y el shampoo que usa. La charla se dió en un ameno bar al que, lamentablemente, ninguno podrá volver a ingresar. Espero que disfruten de esta primera parte:

• ¿Cuándo arrancaste a leer historietas?

Empecé a leer historietas incluso antes de que pudiera hablar o incluso leer correctamente. A los cuatro o cinco le entraba duro a las del Pato Donald, las Patoruzú o las Condorito. Lo usual a esa edad, ¿no? ¡Raro hubiera sido empezar a leer Persépolis!

También me acuerdo que mi abuela, me compraba todas las semanas una edición extraña de las historietas de Mazinger Z (digo extraña porque no tengo idea si eran las historietas oficiales o si eran esa clase de adaptaciones hechas por artistas no-japoneses… más o menos como pasaba en Columba con las adaptaciones de películas). Después mi viejo me compraba la colección Chiquilibros, que eran historietas per se sino historias rarísimas que tenían texto en la página impar y dibujos en la página par. Es más, recuerdo totalmente el librito Lautaro hecho por Oscar Capristo (detalle: qué loco que después de mucho tiempo Lautaro Capristo, el hijo, sea mi compañero en Dead Pop). Daría mi riñón por volver a tener alguno de esos libritos.

En fin, ya bordeando los diez u once años, mi familia se mudó a Puerto General San Martín (más o menos a 30 km al norte de Rosario) y no tenía mucho acceso a los comics. Ya había hecho el salto lógico hacia las historietas de Columba, las cuales canjeaba en un quiosquito hediondo todas las semanas. Y cada vez que viajaba a Rosario, le entraba de lleno a los tacos recopilatorios de Zinco. Todo Swamp Thing de Moore, Vigilante de Wolfman, Kupperberg y compañía, The Suicide Squad de Ostrander, La Sombra de Chaykin, etc. Ahora que lo pienso un poco, es tremendo que esa clase de material fuera conseguible siquiera. Después, claro, vinieron las ediciones de DC editados por Perfil, que era lo único que podía conseguir en el pueblo y, aunque no me gustaban mucho, al menos aprendía a ver cómo dibujaban otros… qué se yo, me quedaba absorto viendo cómo dibujaba Kevin Maguire, por ejemplo. ¡No podía dibujar esas expresiones con tan pocas líneas! Pero bueno, era lo que había, ni más ni menos.

De todas formas, mis preferidas eran las raras, las que no eran estrictamente superheroicas, en donde la moral iba y venía y no estaba del todo clara. Me gustaba Gilgamesh y su melancolía, demostrándote que vivir eternamente no es tan copado, como uno suponía. O Vigilante, que era un tipo que achuraba gente de noche y de día era juez. O El Escuadrón Suicida, compuesto por villanos que eran enviados al matadero permanentemente. O La Sombra con esa manía medio sórdida de hipnotizar mujeres… en fin, todas esas historietas son extrañas aún hoy, con toda esa moralina de medio pelo con la que insiste el mainstream yanqui. Son como perlitas perdidas. Y para bien o para mal definieron, al menos en parte, mi forma de pensar. Esto y los libros de Elige tu propia aventura, ja.

Más tarde en los noventa, se vino todo el rollo de Cazador, con el que flipé en colores. No tanto por las historias, que eran bastante tontas, pero sí por cómo eran dibujadas.

Confesión Número Uno: al principio copiaba a Mauro Cascioli, quien a su vez le robaba a Simon Bisley, a quien yo también le choreaba bastante. Ojo, no me da culpa ni vergüenza confesar esto, considero que esas historietas están muy bien cuando tenés doce o trece años. Y a esa edad está más que bien copiar (bah, en realidad está bien copiar en cualquier edad… no importa de dónde saques las cosas, lo importante es dónde te lleven, decía Jarmusch). Ahora bien, ya a nivel historietístico, si tenés treinta y cinco y te sigue gustando únicamente Cazador, realmente tenés que ponerte a pensar qué es de tu vida. Hay mucho más ahí afuera esperando romperte el cráneo.

Por eso mismo, ya de adolescente, cuando empecé a comprar comics furiosamente (convencido de que quería hacerlos), entraron en mi vida dos muchachos: por un lado Alberto Breccia y por el otro Dave McKean. Y ya nada fue como antes. Todo lo que tenía estipulado en mi cabezota se hizo percha, como resulta natural cuando se descubre a estos malandras. Y si estos dos habían vapuleado mi cráneo lo suficiente como para quedar baboso y en posición fetal en un rincón, vino Muñoz y me dio el tiro de gracia. A partir de ahí mi búsqueda me llevó a todos los rincones estéticos habidos y por haber. Y lo sigue haciendo.

Boiled, de Renzo Podestá

La Red de Indra contiene el flujo espacio-tiempo. El Sindicato de Cartógrafos la mantiene, y por supuesto son todos unos hijos de puta. Ellos podrían haberte dejado tranquilamente muerto; pero no, te revivieron para que integres la División Yuggoth. Ahora, tenés que usar esas sanguijuelas en agua hirviendo, para evitar las ganas de comer carne humana.

Encima te mandaron a San Petersburgo, a 1932 exactamente, sin explicarte porqué. Sabés que los Zahíres acechan; vos tenés tu arma cargada.

Boiled, de Renzo Podestá

Mientras Kirk! se encamina más y más a su edición definitiva en papel, tenemos la suerte y la satisfacción de poder tener entre nuestras filas a Renzo Podestá.

Si te gusta la buena Historieta Argentina, suponemos que ya conocés sus trabajos. Desde aquellos lejanos y excepcionales, Jueves y (Bang)kok, hasta su última (y desquiciada) apuesta, El aneurisma del chico punk, Renzo es, hoy, una feliz realidad en nuestro medio.

Y si leíste algunas de sus obras, ya sabés cuál es su universo creativo: la fantasía, con un gusto por lo extraño, lo sobrenatural y las situaciones impredecibles, todo eso acompañado, por lo general, con grandes dosis de humor, violencia y cierto aire “Noir”. Renzo, en su faceta de artista integral, siempre presenta historias complejas, con hilos narrativos bien manejados y personajes atractivos. De la parte gráfica, casi que ni hace falta hablar, es un dibujante excepcional, de trazo fuerte y dinámico, con un plantado de página cambiante, siempre al servicio de la historia que se cuenta.

Luego de arduas negociaciones bilaterales con la República Socialista de Dead Pop, hogar editorial de Renzo, logramos que nos lo presten un rato, para que despliegue su magia con nosotros, acá en Kirk!

Están avisados, Boiled llega, y no hay como pararlo.

Muy pronto, en tu revista amiga.

Entrevista a Mica Karaman

¿Nombre completo? ¿Edad y género?

María Micaela Karaman. 21 años, aunque según tests recientes de Internet tengo 82. Femenino hasta lo que sé.

 Sabemos que estudiás, pero no sabemos qué, así que: ¿Qué carrera seguís y porqué la elegiste?

Decidí estudiar Diseño Gráfico, después de haber tenido un ligero paso por Dirección Cinematográfica. En principio, la elegí para no perder medio año sin hacer nada, y por lo que había visto de mis amigos me daba curiosidad. Entré y estuve 1 año y medio, aproximadamente, haciendo las cosas medio por inercia y sin entender aún de qué iba la disciplina en su totalidad, más que nada porque no estaba por completo interesada en dar un paso más. Fue después de tener un par de materias troncales, que terminé por darme cuenta que esta carrera englobaba todo lo que me apasionaba y le daba un nuevo sentido a la imaginación y la creatividad. Me encontré con una profesión en la que no tenía que sacrificar mis aptitudes artísticas y, por sobre todo, me permitía crecer en cuanto a contenido y concepto de una obra, pieza o proyecto. Requiere mucho tiempo y persistencia pero la recomiendo a cualquiera que se dedique a la ilustración o al dibujo. Recomiendo la página de behance para cualquiera que quiera «pispear» proyectos de diseño muy interesantes.

¿Tu carrera se relaciona en algo con la historieta? Si es así, ¿de qué manera?

En mi opinión, el Diseño Gráfico se dedica a encontrar soluciones y comunicarlas de la mejor manera. Por sobre todo, en lo que tenga que ver con la composición, la morfología, técnicas de impresión y materiales, lo que reina y hace a una pieza espectacular es el concepto; qué se quiere comunicar. Al crear una historia, lo primero que intento pensar es sobre lo que quiero comunicar al que lo lee. No sé si se trata del género, creo que me refiero más al contenido. Me gusta pensar que cada personaje tiene algo que comunicar, un concepto propio, y a partir de eso ellos actúan de tal o cual forma. Como en una pieza de diseño, cuando se escoge un concepto, la morfología, la composición y el tratamiento de la imagen lo acompañan de la mejor manera posible para que el receptor perciba de qué se está hablando. Así, pensar sobre el estilo de dibujo o el tratamiento de las páginas en una historieta para comunicar una acción o una situación específica.

¿Cuándo empezaste a leer historietas y cuales son preferidas?

Empecé a leer cómics a los 10 años creo por influencia de mis amigos. En un principio, siempre me interesó el manga pero hoy en día leo todo lo que me llame la atención por sobre el tipo y el estilo. Soy fanática de los web-comics (de demasiados, tantos que debería ser un crimen) y gracias a ellos decidí publicar una de mis historias. En lo que confiere a publicaciones «profesionales», mis preferidas son «xxxHOLIC» y «Arakawa Under the Bridge«; de «web-comics» adoro «Todd Allison & the Petunia Violet«. En lo que tiene que ver con el dibujo, «Nineteen, Twenty-one» y cualquiera de CLAMP me apasionan. Y desde otro lado totalmente distinto, me encanta leer los cómics de Regular Show. Sé que tengo un montón más favoritas pero cuanto más quiero pensar, ¡menos me acuerdo!

¿Quiénes son los artistas que más te gustan? No necesariamente que influencien tu trabajo, pero sí que disfrutes lo que hacen.

Como ya mencione, admiro con todo mi corazón el trabajo de CLAMP. Se me hace difícil pensar en artistas que necesariamente no influencien mi trabajo ¡porque me encantaría dibujar como ellos! Entre otros que sigo fielmente por Internet están: Shilin, Cushart, Thienbao y Nozmo. Diariamente miro muchas referencias y sigo a muchos artistas sea por DevianatART, Pixiv y blogs, así que es dificultoso elegir cuál me gusta más.

Y ahora sí: ¿Hay dibujantes que influencian en tu trabajo, ya sea gráficamente o desde la narrativa?

Voy a parecer reiterativa y obsesiva (que no quiere decir que no lo sea) pero mi primer acercamiento con el cómic fue CLAMP por lo que me ha influenciado desde siempre. «xxxHOLIC» y «Tsubasa Reservoir Chronicles» fueron mis principales influencias en lo que dibujo respecta. Desde la narrativa, no tengo demasiada idea quién o qué fue lo que me influenció, supongo que habrá sido el conjunto de cosas que habré leído y visto desde mi niñez. Entre los pocos que recuerdo se me viene a la mente el escritor Pablo de Santis y las historias de las películas de Hayao Miyazaki.

¿Qué es lo que más te gusta dibujar? Puede ser un género o un motivo en particular.

Me encanta dibujar personajes distintos y variados. Tengo la mala costumbre de crearme toda una historia alrededor de un personaje que se me dio por dibujar una vez y termino muy enganchada y no dejo de pensar cómo comenzaría la historia, como terminaría, qué pasaría, con quién se encontraría. Soy como una creadora de historias (no necesariamente buenas) compulsiva, debo tener 10 historias nunca dibujadas y sólo pensadas que andan rondando por ahí esperando que se hagan realidad alguna vez. Supongo que con el dibujo recreo todo lo que tengo en la mente. En cuanto a lo que géneros se refiere, me encantaría poder dibujar escenas de acción pero soy horrible con las poses, por eso solo me desenvuelvo en géneros que no requieran mucho «movimiento».
Por otro lado, me apasiona dibujar la vestimenta de los personajes y cuanto más complicado mejor. También me gusta re diseñar personajes ajenos (¿o fan arts?) para ver cómo se acopla a mi estilo de dibujo. Actualmente estoy en busca de insertar de alguna manera mis dibujos al diseño gráfico, por lo tanto estoy experimentando un montón con diversas técnicas, lo que me divierte mucho.

¿Hacia dónde te inclinás más: el cómic o la ilustración? ¿Por qué?

Sinceramente no tengo muy en clara la diferencia, pero por lo que creo que es cada una, me inclino más por el cómic. El cómic me permite desarrollar una historia más extensa y con diversos ritmos. Aún así, últimamente estoy intentando introducirme en el mundo de la ilustración para ver qué puedo aprender de ahí y llevarlo a los proyectos de diseño o de cómic.

¿Tenés otros intereses además del dibujo? ¿Cuáles?

¡El diseño gráfico y el tejido! Temo decir que por ahora el dibujo es sólo un hobby, y hoy en día estoy muy avoca a desarrollar mi profesión como diseñadora, lo que me quita mucho tiempo para dedicarme a mis comics.
El tejido es algo que hago cuando estoy con falta de inspiración, me gusta sentarme en frente a la PC y mientras miro streaming de videojuegos me la paso tejiendo en dos agujas o crochet los patrones que encuentre para hacer. Soy como una abuelita tejiendo mientras mira Kick Boxing.

Contanos un poco acerca de Anti, tu historieta/manga. ¿De qué se trata? ¿Qué te llevó a hacerlo? ¿Tenés pensado un final?

Anti narra el encuentro de un chico y una chica y todo lo que va pasando alrededor de ellos. A primera vista Kade, la chica, parece alguien fría y distante, y Reed, el chico, alguien amable y alegre. Con el tiempo se van observando sus verdaderos pensamientos, miserias y sentimientos. Me gusta pensar que no es sólo una historia de parejas y amoríos sino que intento hacer llegar mensajes un poco más profundos al que lo lee (aunque todavía ni siquiera pisó partes muy significativas). Lo que me llevó a hacerlo especialmente es eso. Venía de leer muchos mangas para chicas con mensajes muy sosos, y me dio rabia pensar en el hecho de no encontrar un punto medio entre una historia romántica, pero realista hasta cierto sentido. También, me llevó el odio a la generalización de la protagonista femenina que casi siempre tiene las mismas características. El hecho de que las historias originales se contaban con los dedos de la mano me provocaba ganas de agarrar el lápiz y hacer justicia de alguna forma. Así nacieron, Kade, luego Reed y después todos los demás personajes.
El final es algo que creí que tenía pensado desde un principio pero a medida que iba avanzando fui cambiando montones de veces. Hoy quiero creer que ya tengo el final pensado.

¿Cuál es tu método de trabajo? ¿Preferís las herramientas «clásicas» o las digitales? ¿Cuáles son las que más usas?

Lo que es cómic me gusta dibujarlo con herramientas clásicas, lápiz, goma, rotrings descartables y ya. Desde el único lugar donde retomo lo digital, es cuando agrego grises, texturas y el texto. Cada página es una hoja A4 a la que le hago un margen de 1cm de los cuatro lados y, usualmente, divido el marco en cuatro filas según lo que contenga la página. Todos los días busco agilizar mi método de trabajo porque suelo ser muy lenta y meticulosa. Uso rotrings 0.2 para remarcar (primero el bosquejo en lápiz, y una vez que borro, vuelvo a remarcarlo) y 1.0 para cuadros, globos de texto y rellenar. La mayoría de las veces que tengo que hacer retoques de dibujo en lo digital, es cuando alguna cara me quedó extraña o no logré la expresión que deseaba.

¿Cómo encarás el proceso creativo? ¿Tenés alguna fórmula para desarrollar tu arte? ¿Trabajás todo junto o primero escribís el guión y luego dibujás?

Me gusta abocarme mucho más a la historia que al dibujo en sí; por eso no hay mucha originalidad y novedad en lo que es lo gráfico. Tengo un cuaderno donde escribo los capítulos en forma de narrativa teatral y después voy agregando cuadrados a los costados pensando qué acciones y diálogos va a haber en cada página. En lo general, antes de comenzar un capítulo, intento que ya esté escrito por completo, con un final pertinente que siempre intente dar cierto sentimiento de cierre al asunto pero que deje entrever que sigue existiendo algo que no se cerró. Por fuera de los capítulos, antes de haber comenzado a dibujar Anti, me hice una lista de acciones y situaciones que debían estar en la historia para que todo tenga sentido, y ordenadas cronológicamente, como una especie de guía resumen de los capítulos.
En cuanto al dibujo, soy muy tradicionalista en cuanto al proceso. Hace poco comencé a utilizar referencias de fotos para poses que ayudan un montón.

¿Estás trabajando en algún proyecto ahora? ¿Nos podrías dar algunos detalles?

Tengo pensado dos cómics para hacer después de Anti. Me estoy dedicando a darle un estilo único a cada una que acompañen las historias desde lo gráfico también. Una está ambientada en el siglo XVIII, y es una historia familiar de cuatro hermanos, mezclada con conflictos políticos del país donde residen, es como de acción y drama. Otra está ambientada en un mundo más futurista, y es sobre el conflicto de dos enormes empresas que se dedican al entretenimiento de noche, tipo disco, boliche, y el sueño de una chica rebelde y muy activa en dirigir uno de ellos cueste lo que cueste.
Todavía no sé cuál voy a hacer primero o después, después de terminar Anti se verá.

Galería

Lucho para todos

«Como Hugo Pratt, estoy humildemente agradecido por poder vivir en el mundo de la fantasía. La función de la historieta es la evasión, un antídoto tan imprescindible como el sueño. El individuo que trabaja todo el día en un banco necesita un escape, y para eso están las aventuras con acontecimientos extraordinarios. Es una manera de sanear la mente.»

Extracto de la entrevista a Lucho Olivera realizada por Germán Cáceres, publicada online en el blog colectivo La duendes, y publicada originalmente en el libro Charlando con Superman (Editorial Fraterna, Buenos Aires, 1988, 224 páginas).

Reina por: Mica Karaman

No podemos decir mucho acerca de Mica Karaman (asumimos que su nombre es Micaela), puesto que prácticamente no la conocemos (jamás la hemos visto en persona, por ejemplo).

Los enlaces de la red siempre terminan llevándonos por callejones desconocidos. Así fue que caímos en su blog y en su Deviant (no recordamos qué fue primero). Así también descubrimos que hacía un manga llamado Anti.

La relación con ella comenzó con la sospecha de que su arte podía ser una gran aporte para nuestra revista en ciernes. En su página, tenía dibujos trabajados en diversos estilos, pero lo que nos atrapó es su manejo del color. Cautivada por el manga, sus trabajos a color muestran un nivel de terminación y cuidado por el detalle pocas veces visto.

Decidimos confiar en nuestros instintos y contactarla; ¡lo bien que hicimos! No sólo nos encontramos con una gran artista amateur (puesto que ama lo que hace), sino también con una excelente persona siempre predispuesta a colaborar.

Hoy, el arte de Mica sigue en plena evolución, y las cosas que hace en speed-painting  nos sorprenden cada vez más. Pronto tendremos una entrada con una entrevista y una galería con sus dibujos.

Su aporte en Kirk! no es menor, le pedimos que hiciese su propia versión de Reina, ¡y la hizo a color!

¡Gracias Mica, te queremos!

Lucho para todos

«…pero es la primera encarnación de Gilgamesh, a fines de los sesenta, guionada por el propio Lucho, la que quiero destacar. Concebida bajo la poderosa influencia de 2001 Odisea del Espacio, de Kubrick, ilustra como ninguna las inquietudes metafísicas de Olivera —inquietudes, intereses, hasta obsesiones, que lo acompañarían el resto de su vida—, y despliega, con admirable economía de medios, una saga en que temas como la muerte, la conciencia y el universo campean sobre lo anecdótico de la aventura.»

Las palabras citadas pertenecen a Quique Alcatena para la nota «Lucho y después…», en la revista digital Sacapuntas N° 4.

Lucho para todos

«…en ese momento teníamos tanto trabajo… que a veces se hacían intercambios, había que trabajar con fondos, uno hacía el fondo, otro hacía la figura; porque a veces uno entregaba 4 historietas de 100 cuadros por mes… ¡400 cuadros en un mes! En la época de oro de la Historieta Argentina… D’artagnan, Fantasía, El Tony… llegaron a vender en los fines de los ’70 como 800.00 ejemplares por mes. «

Extracto de la entrevista realizada a Lucho Olivera por Daniel Miñones y Felipe Ávila, el 29 de Junio de 2003, para el N°1 de la revista Rebrote (Septiembre de 2004).

Reina por: Marcelo Sosa

En una entrada anterior, hablábamos de personajes femeninos que marcaron nuestra historieta. En esa lista, incompleta como todas las enumeraciones, quedaba afuera cierta señorita hija de un verdugo. Estamos hablando de Anita.

La serie, que debutó en las páginas de Ultra, tomó por sorpresa a todo el mundo gracias a su buen humor, acción, dinamismo y desenfreno. En 2005, la obra fue recopilada por primera vez en libro, con gran éxito, y una vez más en 2009, esta vez con el guión de la secuela que nunca llegó a realizarse. Hoy por hoy, Anita, la hija del verdugo es considerada un clásico moderno de la historieta argentina.

La historieta tuvo, fuera de la ficción, tres padres: los geniales hermanos Bobillo (Juan y Gabriel) y Marcelo Sosa, uno de los más excepcionales laburantes del tablero de hoy día. Junto a Juan, además, formaron la Escuela Sotano Blanco, cuna de nuevos artesanos de la historieta y la ilustración.

La carrera de Marcelo se enfoca en la ilustración, donde ha hecho innumerables tapas de libros y revistas, y en el comic, con la gran mayoría de su producción enfocada al mercado americano. Allí, en EE.UU., trabajó y trabaja especialmente con una de las dos grandes editoriales del norte, Marvel. Capitán America, Fantastic Four, X-Men, She-Hulk, Howard The Duck, Agent-X,  Mekanix, son algunas de las series que tuvieron la buena fortuna de llevar su arte. Y hay que decirlo: ¡qué suerte que tienen los americanos!.

Que podamos tener su arte en Kirk!, es un verdadero lujo. Fue Roberto, el que lo contactó, y Marcelo, además de decir – Sí. –, nos pasó una cantidad infinita de bocetos para que elijamos el que más nos gusta. La elección fue ardua, no lo vamos a negar, pero creo que no nos equivocamos.

¡Gracias Marcelo por dibujar así! ¡Queremos ver a Tiger Good, James y el Capitán!